Open-Air Filmprogramm
Teilnahme kostenfrei / ein gültiges Ausstellungsticket (15/8 Euro) für den 22. August ist erforderlich inkl. der Registrierung für den gewünschten Programmpunkt
Q&A im Anschluss mit den Filmemacher:innen
Sprache Englisch
Im Rahmen von 200 Years and Counting . Zum Jubiläum der Fotografie
Kurzfilmprogramm
Bruce Eesly: Endangered Gestures (2026), 5 Min.
Daphné Nan Le Sergent: Silicon Islands and War (2025), 37 Min.
Gala Hernández López: Like Moths to Light (2026), 26 Min.
Ryan S. Jeffery: An Engineer / Not a Camera (2025), 12 Min.
Bruce Eesly: Endangered Gestures (2026), 5 Min.
Endangered Gestures ist ein Kurzfilm, der Handgesten für Begriffe zeigt, die derzeit durch autoritäre Tendenzen weltweit bedroht sind. Durch die Kombination zensierter Wörter mit von KI vorgeschlagenen Gesten bewegen sich die Ergebnisse irgendwo zwischen spekulativer Gebärdensprache und technischem Fehler. Die dargestellten Hände wirken fast menschlich, sind es aber nicht ganz; ihre unzuverlässigen Finger bilden Gesten, die am Rande der Bedeutung schweben.
Die Wörter, die jeder Geste entsprechen, gehören zu einer Liste von Begriffen, die seit März 2025 nach und nach von Websites, Dokumenten und Archiven der US-Regierung verschwinden. Ideen zu Diversität, Klimawandel und sozialen Themen galten nicht mehr als akzeptabel und wurden manuell oder algorithmisch entfernt. Ironischerweise liest sich ein Großteil der zensierten Wörter wie eine Wunschliste für eine humane und gerechte Gesellschaft.
Die generative Bildgebungstechnologie zu bitten, Handgesten für diese Wörter zu erstellen, ist ein letztlich absurder Versuch, innerhalb der ideologischen Grenzen der Technologie eine Sprache des Widerstands zu finden. Die zunehmend unwahrscheinlichen Gesten lassen den Betrachter vielleicht fragen, welche Strategien und Verrenkungen von uns verlangt werden, um diese Errungenschaften im Zeitalter des technologiegestützten Autoritarismus zu schützen. Endangered Gestures ist eine Erinnerung an Dinge, die es wert sind, gepflegt und gefeiert zu werden – dargestellt durch die Intelligenz, die an ihrer Erosion mitschuldig ist.
Bruce Eesly ist ein in Berlin lebender bildender Künstler. In seiner Arbeit mit Fotografie, Archiven und generativen Bildgebungstechnologien untersucht er, wie fotografische Bilder, Klassifizierungssysteme und technologische Infrastrukturen unser Verständnis der Realität prägen. Seine Arbeiten wurden international unter anderem bei den Rencontres d’Arles (FR), im Hangar Photo Art Center (BE) und im Hebbel am Ufer (DE) ausgestellt. Eesly wurde zum Foam Talent ernannt und 2026 für sein Werk Endangered Gestures beim Prix Ars Electronica ausgezeichnet.
Daphné Nan Le Sergent: Silicon Islands and War (2025), video-essay, 37 Min.
In einer Zeit, in der die KI eine beispiellose Entwicklung durchläuft, ist die Halbleitertechnologie auf der globalen Bühne zu einem strategischen Faktor geworden. Ohne Halbleiter wäre die Entwicklung von KI-Systemen unmöglich. Ohne Halbleiter gäbe es keine hochmodernen Waffen, keine digitalen Speicher und nicht einmal Sensoren für unsere Digitalkameras. Dieser Video-Essay lädt uns ein, eine alternative Geschichte der Fotografie zu betrachten – eine, in der sich die Auflösung unserer Bilder verbessert hat, während die asiatische Industrie die auf Siliziumwafern geätzten Halbleiter immer weiter miniaturisiert hat. Doch dieser technologische Wettlauf lässt sich nur im Kontext der Geopolitik und der Rivalität zwischen China und den USA im pazifischen Raum wirklich verstehen.
In Japan, Südkorea und Taiwan bedeutet die Herstellung hochwertiger Halbleiter auch, eine starke Position gegenüber diesen Mächten zu behaupten. Wie könnten wir also die Geschichte der Entwicklung unserer Bilder nicht mit der Geschichte dieser Länder – hier „Silicon Islands“ genannt – sowie ihren vergangenen Kriegen und aktuellen Konflikten verknüpfen?
Der unpersönlichen Erzählung durch KI-generierte Stimmen steht die eines kreolischen Geschichtenerzählers gegenüber. Letzterer stellt den Gigantismus des digitalen Gedächtnisses und dessen übermäßige Bilderflut in Frage. Er stellt sich dem mit den Mitteln des mündlichen Überlieferungsguts: Poesie und Gesang. Die Erzählung entfaltet sich durch Lieder (Nel-K, Seung Hwan Diego Bae, Echo), in denen emotionale Regungen moduliert werden: Sie drücken sowohl den Stolz auf den Widerstand gegen die Mächtigen als auch den melancholischen Blues darüber aus, von ihnen beherrscht worden zu sein; sie schildert die Torheiten des Anthropozäns, in dem Taiwan seine hochmodernen Fabriken, die als „Siliziumschild“ gegen China gelten, nicht verlagern kann.
Daphné Nan Le Sergent ist Universitätsprofessorin am Institut für Fotografie der Universität Paris 8; Mitglied der Forschungsgruppe „Arts des Images et Art Contemporain“ (AIAC); Mitglied von AICA-France / der Internationalen Vereinigung der Kunstkritiker. Le Sergent beschäftigt sich künstlerisch und theoretisch mit den verschiedenen Verräumlichungen des Sinnlichen und mit dem Bild als Form des sensorischen Gedächtnisses in der westlichen und nicht-westlichen Kunst. Ihre künstlerischen Projekte untersuchen das fotografische Bild im Zusammenhang mit der Produktionskette seiner Materialien und den wirtschaftlichen und geopolitischen Gleichgewichten, die es stützen.
Gala Hernández López: Like Moths to Light (2026), 26 Min.
Eine Frau spricht zu uns aus dem Inneren einer Maschine, die ihre Gehirnaktivität aufzeichnet. Sie beschreibt ein mentales Labyrinth, das einen alten Vergnügungspark namens „Dreamland“, Traumfotografien aus dem 19. Jahrhundert, zeitgenössische Experimente zur mentalen Entschlüsselung mithilfe von KI und Prophetic – ein Start-up, dessen Ziel es ist, Träume zu kontrollieren – miteinander verbindet. Doch was sehen unsere Träume, wenn sie auf uns zurückblicken? Like Moths to Light ist eine Meditation über die Zukunft unserer Traumwelten im Zeitalter des Neurokapitalismus.
Gala Hernández López ist Künstlerin, Filmemacherin, Forscherin und Produzentin. Ihre Filmografie, die von einer ökofeministischen Sensibilität geprägt ist, umfasst Filme, die aus Forschungsprozessen hervorgegangen sind und materialistische Kritik, traumhafte Bildwelten und spekulative Fiktion miteinander verbinden. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in Cannes, auf der Berlinale, in Rotterdam, beim IDFA, bei der Viennale, beim Cinéma du Réel, in der Berlinischen Galerie und im Palais de Tokyo gezeigt. Ihr Film La Mécanique des fluides gewann 2024 den César für den besten Dokumentarkurzfilm.
Ryan S. Jeffery: An Engineer / Not a Camera (2025), 12 Min.
Die Herstellung eines Computerchips ist wohl der komplexeste technische Prozess in der Geschichte der Menschheit. Ein entscheidender Schritt bei der Herstellung dieser Spitzentechnologie ist jedoch die Fotolithografie, ein Verfahren, das direkt aus der Entwicklung der Fotografie hervorgegangen ist. Heutzutage sind generative KI und computergenerierte Bilder kaum noch von denen zu unterscheiden, die mit einer Kamera aufgenommen wurden.
Einst eine Methode zur Erfassung eines Bildes der Welt, wird die Optik heute dazu genutzt, Maschinen zu bauen, die Bilder der Welt erzeugen können, ohne sie sehen zu müssen. Je reichhaltiger diese neue virtuelle Welt wird, desto größer wird die Verlockung, in dieses Anderswo zu entfliehen. Doch es gibt kein Anderswo. Jedes Bild, das aus einer unheimlichen Welt irgendwo anders zu uns winkt, verändert unsere Welt grundlegend direkt vor unseren Augen.
Ryan S. Jeffery ist Filmemacher und Künstler im Bereich der bewegten Bilder, der sich dafür interessiert, wie Technologie, Medien und politische Ökonomie sich gegenseitig beeinflussen. Die Themen seiner Arbeiten reichen von der Geschichte der Rechenzentren über die Begegnung der Finanzbranche mit der Online-Meme-Kultur bis hin zur privaten Kunstsammlung der Welthandelsorganisation und der jüngsten Hinwendung des Silicon Valley zur sogenannten „Hard Tech“.
